19 settembre 2023 – AmodeiNews

di Sergio Amodei

Originari di Seattle, Washington, la band si è formata alla fine degli anni ’80 ed è diventata rapidamente uno dei pionieri della musica grunge. Con una combinazione unica di riff pesanti, strutture musicali complesse e la voce potente e straordinaria di Chris Cornell, i Soundgarden hanno tracciato una strada attraverso il panorama del rock alternativo, lasciando un’impronta indelebile.

I primi passi: formazione

La storia dei Soundgarden ha inizio nel 1984, quando il chitarrista Kim Thayil, il bassista Hiro Yamamoto, e il batterista e cantante Chris Cornell si unirono per creare una band a Seattle. Inizialmente chiamata “The Shemps”, la band presto cambierà il nome in Soundgarden, ispirandosi a una scultura del vento situata a Sand Point, Seattle. Questa scelta del nome anticipava la ventata di innovazione e originalità che i Soundgarden avrebbero portato nella scena musicale.

Il loro sound iniziale era fortemente influenzato dal punk rock e dal metal, ma già in questa fase embrionale, dimostrarono una propria identità musicale unica. Le prime esibizioni live dei Soundgarden, spesso in piccoli locali di Seattle, attirarono l’attenzione della comunità musicale locale, segnando l’inizio del loro percorso.

Nel 1987, i Soundgarden pubblicarono il loro EP di debutto, “Screaming Life“, un lavoro che metteva in luce l’energia cruda e la potenza delle loro esibizioni dal vivo. Le tracce dell’EP, come “Hunted Down” e “Tears to Forget“, mostrarono le prime sfumature del sound unico dei Soundgarden, con riff di chitarra contorti e la voce distintiva di Chris Cornell.

Il crescendo creativo: “Ultramega OK”

Il 1988 vide l’uscita del primo album completo dei Soundgarden, “Ultramega OK“. Questo album, registrato in modo indipendente, rappresentava un passo significativo nella loro evoluzione artistica. “Ultramega OK” aveva un sound più complesso e rifinito rispetto all’EP di debutto, con brani come “Flower” e “All Your Lies” che mostravano una profondità lirica e musicale crescente.

Nonostante il limitato successo commerciale dell’album, “Ultramega OK” ottenne un’accoglienza positiva dalla critica e contribuì a consolidare la reputazione dei Soundgarden come una delle band più promettenti della scena rock underground.

Il salto verso il mainstream: “Louder Than Love”

Il vero punto di svolta della carriera dei Soundgarden arrivò con l’uscita dell’album “Louder Than Love” nel 1989. Questo lavoro fu il primo pubblicato sotto l’etichetta A&M Records, segnando il passaggio dei Soundgarden al grande pubblico. Il sound di “Louder Than Love” era più accessibile, ma non perdeva l’aggressività e l’originalità della band.

L’album conteneva tracce memorabili come “Hands All Over” e “Loud Love“, che catturarono l’attenzione dei fan e dei critici. La potenza vocale di Chris Cornell, le ritmiche incalzanti di Yamamoto e la chitarra distorta di Thayil diedero vita a un suono che si distingueva nettamente dalla scena musicale dominante dell’epoca.

“Louder Than Love” ottenne un notevole successo commerciale e consolidò la posizione dei Soundgarden come una delle band più promettenti del rock. Tuttavia, sarebbe stato l’album successivo a portarli al livello successivo di fama.

L’apice del Grunge: “Badmotorfinger”

Nel 1991, i Soundgarden pubblicarono l’album “Badmotorfinger”, che sarebbe diventato uno dei capisaldi del movimento grunge e avrebbe catapultato la band al centro dell’attenzione mondiale. L’album rappresentò una fusione perfetta tra la potenza del grunge emergente e la complessità musicale che aveva sempre caratterizzato i Soundgarden.

Le tracce come “Jesus Christ Pose“, “Rusty Cage” e “Outshined” divennero inno del grunge e mostravano la maturità artistica della band. L’abilità di Chris Cornell di spaziare dalle urla viscerali alle melodie più dolci rese il suo stile vocale una forza inarrivabile.

“Badmotorfinger” ricevette recensioni lusinghiere dalla critica e conquistò un vasto pubblico. La band si esibì in tour per promuovere l’album, consolidando ulteriormente la loro reputazione come una delle migliori band live del periodo.

“Superunknown”

Tuttavia, sarebbe stato l’album del 1994, “Superunknown”, a portare i Soundgarden all’apice della loro carriera. L’album è stato un capolavoro, caratterizzato da una profondità musicale e lirica straordinaria. Le tracce come “Black Hole Sun”, “Fell on Black Days” e “Spoonman” conquistarono le radio e la televisione.

“Black Hole Sun”, in particolare, è stata una canzone iconica degli anni ’90, con la sua melodia inquietante e il suo video musicale surrealista. L’album ha vinto due Grammy Award e ha venduto milioni di copie in tutto il mondo. Con “Superunknown“, i Soundgarden avevano raggiunto l’apice del loro successo.

l’esplorazione artistica

Nonostante il successo straordinario di “Superunknown”, i Soundgarden non si accontentarono di ripetere la stessa formula. Nel 1996, pubblicarono “Down on the Upside”, un album che segnò una deviazione dal loro sound precedente. L’album presentava una miscela più eclettica di canzoni, con maggiore enfasi sulla strumentazione acustica e un approccio lirico più introspettivo.

Brani come “Blow Up the Outside World” e “Burden in My Hand” mostravano un lato più riflessivo della band, mentre “Pretty Noose” e “Ty Cobb” conservavano la loro energia grezza. “Down on the Upside” non ottenne lo stesso successo commerciale di “Superunknown”, ma dimostrò la crescita artistica e la versatilità della band.

Lo scioglimento temporaneo e la riunione

Nel 1997, dopo un tour in supporto a “Down on the Upside”, i Soundgarden annunciarono il loro scioglimento temporaneo. Tensioni interne e il cambiamento del panorama musicale contribuirono alla loro decisione di ritirarsi dalla scena. Questa pausa durò oltre un decennio, durante il quale i membri intrapresero progetti individuali ed esplorarono nuovi orizzonti musicali.

I fan della band attesero con impazienza qualsiasi segno di una riunione, e i loro desideri furono esauditi nel 2010, quando i Soundgarden si riunirono ufficialmente. Intrapresero un tour di riunione di successo e pubblicarono “King Animal”. L’album dimostrò che i Soundgarden non avevano perso il loro estro creativo, offrendo una serie di brani che combinavano l’energia grezza dei loro primi anni con la maturità dei loro anni successivi.

Il lascito dei Soundgarden

I Soundgarden hanno avuto un ruolo cruciale alla diffusione del grunge nella cultura popolare, influenzando innumerevoli band e artisti che sono venuti dopo di loro. Il loro approccio innovativo alla scrittura delle canzoni e al superamento dei confini di genere ha aperto la strada all’evoluzione continua del rock alternativo.

Uno degli aspetti più duraturi del lascito dei Soundgarden è la potente e struggente voce di Chris Cornell. La sua estensione vocale e la sua interpretazione emotiva hanno stabilito un alto standard per i cantanti rock, facendogli guadagnare un posto tra le voci più grandi nella storia del rock. Chris Cornell è scomparso tragicamente nel 2017, lasciando un vuoto nel mondo della musica che non potrà mai essere veramente colmato.

La musica dei Soundgarden continua a risuonare con le nuove generazioni, le loro canzoni sono regolarmente reinterpretate da artisti che rendono omaggio al loro duraturo lascito.

Conclusioni

Il percorso dei Soundgarden, dalla scena punk underground di Seattle al palcoscenico globale della superstardom rock, è una testimonianza del loro talento e della loro determinazione. La loro musica, caratterizzata dalla complessità sonora e dalla profondità emotiva, ha lasciato un segno indelebile nel mondo del rock e della musica alternativa.

Anche se i Soundgarden potrebbero non essere più una band attiva, il loro lascito vive attraverso le loro registrazioni e l’impatto che hanno avuto nel panorama musicale. La loro capacità di evolversi e sperimentare pur rimanendo fedeli alla loro visione artistica è una testimonianza della loro rilevanza duratura.

Mentre continuiamo ad ascoltare le loro canzoni iconiche ed esplorare la loro discografia, è chiaro che la musica dei Soundgarden sarà sempre più forte dell’amore, risuonando con i fan e gli artisti di generazioni future. I Soundgarden rimarranno per sempre un pilastro nella storia del rock.

di Sergio Amodei

David Gilmour, l’iconico chitarrista dei Pink Floyd, è un nome che risuona con milioni di appassionati di musica in tutto il mondo. Con i suoi assoli di chitarra melodici e malinconici, le voci evocative e il talento nel comporre canzoni, Gilmour ha lasciato un segno indelebile nel mondo della musica rock. In questo articolo, esploreremo la vita, la carriera e il genio musicale di David Gilmour, l’uomo che ha contribuito a plasmare il suono di una delle più grandi band rock della storia.

Le Prime Fasi della Vita e dell’Inizio Musicale

David Jon Gilmour è nato il 6 marzo 1946 a Cambridge, in Inghilterra. Suo padre, Douglas Gilmour, era un docente di zoologia, mentre sua madre, Sylvia, era un’insegnante. Cresciuto in una famiglia di classe media, il giovane David ha mostrato un precoce interesse per la musica. Suo padre lo ha introdotto al mondo degli strumenti a fiato, e David ha iniziato a suonare la tromba all’età di 11 anni. Tuttavia, il suo vero viaggio musicale ha avuto inizio all’età di 13 anni quando ha preso in mano la chitarra.

Le prime influenze musicali di Gilmour includevano leggende del blues come B.B. King e Muddy Waters, oltre ai pionieri del rock and roll come Elvis Presley e Chuck Berry. Ha affinato le sue abilità con la chitarra suonando in band locali e ha presto capito che la musica era la sua vera vocazione. Questa consapevolezza lo avrebbe portato a un destino che non avrebbe mai potuto immaginare.

L’Ingresso nei Pink Floyd

Nel 1967, David Gilmour è stato invitato a unirsi a una band relativamente sconosciuta chiamata Pink Floyd. Gilmour è stato inizialmente inserito come sostituto di Syd Barrett, ma il suo ruolo nella band si è evoluto rapidamente diventando parte integrante del loro processo creativo.

L’arrivo di Gilmour segnò una svolta nella storia dei Pink Floyd. Le sue eccezionali abilità con la chitarra e la sua capacità di creare bellissime melodie hanno dato nuova vita alla band. Ha condiviso le parti vocali con Roger Waters, aggiungendo la sua voce distintiva e malinconica al suono della band. Il suo primo album con i Pink Floyd, “A Saucerful of Secrets” (1968), ha mostrato il suo talento con la chitarra e ha segnato l’inizio di una leggendaria collaborazione.

L’Era d’Oro dei Pink Floyd

Gli anni ’70 hanno visto i Pink Floyd entrare nella loro era d’oro con album come “Meddle” (1971), “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975) e “Animals” (1977). La chitarra di David Gilmour e le sue abilità di compositore hanno giocato un ruolo fondamentale nel definire il suono della band durante questo periodo.

“The Dark Side of the Moon”, in particolare, è spesso considerato uno dei più grandi album nella storia del rock. Gli assoli di chitarra emotivi di Gilmour su brani come “Time” e “Money” sono senza tempo e continuano a risuonare tra i fan di tutte le generazioni. La sua capacità di comunicare emozioni profonde attraverso la sua chitarra lo ha reso un artista eccezionale in un genere noto per i virtuosi.

“Wish You Were Here” ha ulteriormente solidificato la reputazione di Gilmour come virtuoso della chitarra. Il brano principale, con la sua intro di chitarra malinconica e i testi commoventi, rimane un inno alla nostalgia. Il lavoro di chitarra di Gilmour in questo album ha mostrato non solo la competenza tecnica, ma anche una profonda connessione emotiva con la musica.

Gilmour come Compositore

Mentre Roger Waters era il principale autore dei testi per i Pink Floyd, David Gilmour ha contribuito significativamente alla composizione delle canzoni della band. Le sue composizioni esploravano spesso temi legati all’introspezione, all’amore e alla condizione umana. Brani come “Comfortably Numb“, “Shine On You Crazy Diamond” e “Us and Them” portano il marchio di Gilmour, dimostrando la sua capacità di creare canzoni intricate ed emotivamente coinvolgenti.

“Comfortably Numb“, in particolare, si distingue come uno dei capolavori di Gilmour. Gli assoli di chitarra avvolgenti e i testi commoventi lo hanno reso un classico senza tempo, e le performance dal vivo di Gilmour di questo brano sono leggendarie per la loro intensità e profondità emotiva.

Carriera Solista

Oltre al suo lavoro con i Pink Floyd, David Gilmour ha intrapreso anche una carriera solista di successo. Il suo album di debutto omonimo, “David Gilmour” (1978), ha mostrato le sue abilità di compositore e ha presentato collaborazioni con artisti come Roy Harper e Rick Wills. Il brano principale dell’album, “There’s No Way Out of Here”, ha dimostrato la capacità di Gilmour di creare musica che era allo stesso tempo introspettiva e accessibile.

Gilmour ha continuato a pubblicare album da solista nel corso degli anni, con uscite degne di nota come “About Face” (1984) e “On an Island” (2006). Questi album gli hanno permesso di esplorare i suoi interessi musicali al di fuori dei confini dei Pink Floyd, e il suo lavoro da solista è stato accolto positivamente sia dai fan che dalla critica.

Esibizioni dal Vivo

Una delle più grandi qualità di David Gilmour è la sua capacità di offrire esibizioni dal vivo affascinanti. I suoi assoli di chitarra, hanno lasciato il pubblico a bocca aperta per decenni. La sua maestria nell’uso dello strumento è evidente durante i suoi concerti dal vivo, in cui ricrea senza sforzo gli assoli iconici diventati un marchio dei Pink Floyd.

Le esibizioni dal vivo degne di nota includono “Pulse” (1994), un album e video registrato durante il tour di “The Division Bell” dei Pink Floyd, e “Live at Pompeii” (2016), in cui Gilmour si è esibito nell’antico anfiteatro romano. Queste performance mettono in mostra il suo talento duraturo e la sua capacità di connettersi con il pubblico in modo profondo.

Eredità e Influenza

L’influenza di David Gilmour nel mondo della musica si estende ben oltre i Pink Floyd. Il suo suono malinconico ha ispirato innumerevoli chitarristi e musicisti di ogni genere. La sua capacità di suonare la chitarra come mezzo di espressione emotiva ha stabilito uno standard per ciò che significa essere un chitarrista virtuoso.

Inoltre, i contributi di Gilmour alla discografia dei Pink Floyd hanno solidificato la posizione della band nella storia del rock. Gli album che ha contribuito a creare sono classici senza tempo che continuano a catturare nuove generazioni di ascoltatori. La musica dei Pink Floyd, con la chitarra di Gilmour al centro, supera i confini del tempo e del genere, affascinando fan di tutte le età.

Conclusioni

David Gilmour, il chitarrista che ha definito i Pink Floyd, è una leggenda musicale il cui impatto nel mondo del rock è incalcolabile. I suoi assoli di chitarra malinconici, le vocali avvolgenti e la profonda scrittura delle canzoni hanno lasciato un’impronta indelebile nella storia della musica. Dai suoi primi giorni da giovane chitarrista a Cambridge alle sue esibizioni iconiche sul palcoscenico mondiale, il percorso di Gilmour è una testimonianza del potere della musica nel muovere cuori e anime.

Mentre i fan continuano a venerare la sua musica e le nuove generazioni scoprono la magia dei Pink Floyd, l’eredità di David Gilmour rimane viva e duratura. Non è solo un chitarrista; è un narratore musicale, e le sue storie continueranno a risuonare con noi per generazioni a venire.